东西方绘画在色彩有何差异，画画需要几种颜色的原料

中国传统的绘画主要是文人画。是文人通过对各自不同的自然景观进行抽象的描绘（当然也有十分精确写实的再现）来表现一种情趣美。假设按西方的艺术流派来分类，中国画应该属于印象派和表现主义范畴。中国古代文人通过对花鸟鱼虫，山水人物的描绘展现高超的概括技巧和独特的人文情怀。2.东西方艺术针对的受众有区别，中国的绘画艺术压根就是贵族艺术。民间的艺术虽然存在但一直被忽视。中国古代的绘画艺术主要是皇家贵族或是士大夫阶层的精神娱乐。中国古代杰出的艺术作品一般被皇家收藏。中国古代的画家基本上都是做官的，绘画是中国知识精英表达情感和思想境界的好表现形式之一，并且因为创作者和受众都是知识分子，故此，中国古代的文人画的意境十分高远，经常有一种“身在官场翻滚，心在旷野听雨”的意境。并且中国古代文人画还和文学有着密切的关系，我认为叫文人画不如叫文学画来的更贴切，中国的诗书画压根都是一体的，基本上没有那幅画能完全摆脱诗歌对其的影响。西方的艺术从一开头就是为大众服务的。在中世纪以前西方绘画主要服务于宗教和装饰。不少画家都是工匠出生，他们绘画的主题是表现神话传说和宗教题材是服务于大众信仰和大众的审美取向。发展到现代其主要创作也还是被广泛的应用在大众的生活中，虽然不少大师的作品已经价格高的离谱，但其精神本质是大众化的。3.创作的主题有很多不一样的地方。中国古代绘画的主题是自然景物，（山水、花鸟、走兽、鱼虫）人物画也有，但相对来说比较的研究不够深入。中国人物画压根就没用上升到解剖学的高度，主要追求神似。而西方主要绘画的表现对象是人物，自然景物相对较少。虽然西方在进入19世纪后面随着思想的解放和科技的进步慢慢绘画对象转为万事万物，包罗万象，但是在这之前真的很少涉及完全脱离人物的绘画主题。从一个侧面也反映了西方人的世界观-人似乎永远是一切事物的主宰。中国画一般是借物喻情，西方人一般习惯直接用人物形象来表现人物的内心世界和性格特点。这也从一个侧面反映了东西方思维方法上的差别，中国人更婉转一部分。当然中国绘画之故此，在人物写实方面和西方有一定差距是和东西方绘画的材料工具有很大的差异有很直接的关系，西方人的绘画材料在色彩颜料方面比中国画要丰富得多，也比较合适表现复杂的色彩层次关系，而中国画的色彩颜料的品种和表现力方面要逊色不少，而且，中国的绘画媒介-纸张，也不太容易控制效果，这对写实来说是有很大的障碍，尽管如此并非说中国画就没办法精确的写实的表现客观对象，到了近代还是产生了用中国画技巧比较写实的人物画家。这当中早具有代表性的肯定是乾隆时期的宫廷画家郎世宁，近代如徐悲鸿、蒋兆和。4．绘画材料和种类差别。绘画材料的区别直接反应为美术形式和创作手段的区别。中国传统的绘画形式是宣纸水墨画，当然在媒介上还有纸本、绢本、木板、壁画等，西方的传统绘画方法要丰富一部分，主要有蛋彩画、油画、木板画、铜版画、蚀刻画、水彩画、素描、水粉、丙烯画等等，近现代随着科技的发展更产生了各种多样的材料还有颜料还有各自不同的材料混合应用的表现形式，而西方艺术家们已经把美术的创作手段扩大到任何材料都可以使用的程度。相对来讲中国画的创作手段还比较单一，或者说发展的空间还相对较大，但中国画在材料上有一定的局限性，因为中国画的主要材料是一一对应的，就是毛笔水墨只适合在特定的纸张即宣纸上才可以充分的表现出其特有的艺术效果，换了其他的媒介，其表现力和发挥空间都会受到很大的阻碍。假设想把中国绘画的材料进行革新和发展，恐怕很有难度，这也是阻碍中国画继续发展的一个重要因素。中国画还有一个和西方绘画很明显的区别，就是中国画超级难更改，一笔就是一笔，因为中国画在纸张上的留下的痕迹超级难更改，这个问题就对画家的功力提出了很高的要求-每一笔都至关重要，只要有一笔画错，整个画面就毁于但凡是，这也妨碍中国画表现复杂的场景，故此，慢慢的中国画发展成了一种以线条为主要表现手法的艺术形式，中国古代的画家们已经把线条艺术发挥到一个至高的境界，每一笔都似乎有生命，每一笔都既然如此那，的耐人寻味，从这个意义上说中国画在线条艺术上无疑是其他艺术形式没办法比拟的。其实中国水墨画是一种独特的水彩素描。写到这，我想说，中国传统绘画的艺术魅力还没有被以西方为代表的西方艺术世界完全理解和接受，西方人清楚中国有一个齐白石，也许还有张大千，但可能依然不会清楚我们有很多杰出古代艺术家，他们的名字应该和达芬奇、毕加索和梵高一样闪耀。这不可以说是个很大的遗憾。在我看过的西方人写得艺术史中，中国艺术只被寥寥带过，甚至还没有日本艺术谈的多，我操。毕加索就曾经说过：中国艺术是既然如此那，的高深莫测，可惜我接触的太迟了，我已经经不起艺术上的大地震了。那时毕加索已经是78十岁的老人。他还说过，比西方人懂艺术的是非洲人，而世界上懂艺术的是中国人。毕加索曾经深受非洲艺术的影响，他的立体主义绘画就是受到其深深的启发。可惜这位天才没能早早的清楚中国的艺术，不然不清楚又有哪些样的精彩作品和创造出怎样的艺术流派，的确遗憾。

区别请看下方具体内容：

1、绘画侧重点不一样。东方艺术重主观，西方艺术重客观。东方艺术为诗的，西方艺术为剧的。故在绘画上，中国绘画重神韵，西洋绘画重形似。

2、线条运用不一样。中国绘画盛用线条，盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。西洋绘画线条都不显著，19世纪末，西方人看见中国画中线条的飞舞，很赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”但后期印象派之前的西画，都是线条不显著的。

3、中国绘画不注重透视法，中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的，因为中国人作画同作诗一样，想到哪里，画到哪里，不可以受透视法的拘束。西洋绘画极注重透视法，西洋画力求肖似真物，故很讲究透视法。

4、中国绘画不介绍剖学，中国人画人物，目标只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。西洋人物画很重解剖学，因为西洋画注重写实，一定要描得同真的人体一样。

5、中国绘画不重背景，中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。西洋绘画很重背景，西洋画重写实，故必描背景。

6、东方绘画题材以自然为主，西方绘画题材以人物为主。

扩展资料中国画的笔墨意趣

笔墨是中国画的精魂。中国画存形与传神并重、工笔与写意共荣、水墨与重彩同辉，而笔墨统其风神。以艺术创作论，笔墨是中国画的基本造型语言，“笔以立其形质”“墨以分其阴阳”，用笔用墨是中国画家的基本功。

以审美品鉴论，笔墨意趣是中国画为突出的特点，既蕴藉着含蓄而极富想象的民族心理，又标举着幽深而玄远空灵的中华美学旨趣。

“画”“涂”之始：笔墨初肇

原始时期的中国绘画以线刻之“画”和单色之“涂”为基本手法。这样的“画”“涂”手法可追溯为中国绘画笔墨之法的源头。

魏晋以降，中国画启动迎来笔墨创构与飞速发展的重要时期。自此，中国传统画法中布色造型的“画”“涂”笔法取得长足发展，人物画笔墨有“描”法之创，山水画笔墨有“皴”法之创，花鸟画笔墨有工笔之盛，先后独立成“笔”“墨”两种重要的艺术元素并日渐丰富。

“描法”之创：笔墨趋精

中国画十分强调线条地运用。例如人物画对服饰褶纹的表现，唐人重法度、用线严谨精巧，宋人重物理、用线疏密得当，元人重意趣，明清重性情，挥洒自如，线条各具其美。单是根据人物画“描”法的草创，就可以得知中国画笔墨趋精之势。

“写意”之韵：笔墨精魂

笔墨之要历来为中国画家所重视。南朝梁元帝萧峄有“或格高而思逸，信笔妙而墨静”之语。唐人王维在“春夏秋冬，生于笔下”句中以“笔”代画，强调笔墨之法的肇端。

笔和墨是为中国画的神妙工具。画家苦心经营、活用笔墨，则出现画面上笔迹厚重、圆润、拙老的千差万别和格调上雄健、苍劲、秀丽、豪放的千变万化。

但不管什么风格，中国画在根底上都讲求笔迹所到线条要高度概括、简洁和凝炼，力求以笔取胜、以简概繁、用“写”而不需要“描”“画”，力追以墨当彩、以韵统神，取“意”不取“绚烂”。

西方以油画为主，色彩艳丽，真实。东方以中国画水墨为主，也一定程度上的用一部分国画颜料。颜色的厚重感，光彩度与西画不是一个风格。

东方绘画主要就是中国画了。在传统中国画中，线不只是造型的主要手段，还有其独立的审美价值，自古以来有”人物十八描“，具体地列出了线的种类。变化无穷的线表达了绘画者的审美趣味和精神意蕴。中国画中运用线的“长短粗细、刚柔强弱、轻重徐疾、浓淡干湿”，转折顿挫，表现出物体的轮廓体积，质感神态、辅以皴擦点染，画面富于虚实明暗，动势节奏，以此达到形神兼备的造型要求。

  西方绘画中的线，这里以油画举例吧。不了解你看过波提切利的油画没，这当中也主要是线的造型。但是，这个线是和中国画的线有区别的，它更多表现一种线面结合，即线本身依然不会不独立，而是依详细内容记录于色彩与明暗，并与体积和空间相联系。故此，你看到油画中的线更有厚度。再如霍尔拜因的素描，紧跟着线的是表现结构的微细调子，虽然是线造型，人物却具有一种三维立体感。总而言之油画中的线还是立足于表现空间的基础上的，这和中国画的二维平面是不一样的。

各位考生都清楚，西方绘画本来就是很注重造型和色彩的。色彩方面，因为材质不一样，还可分为水彩画、水粉画、油画和丙烯画等，表现技法各有不一样，各有千秋。而中国画为注重的是神采的表现，以线条的质量和墨色的变化为追求方向。至于色彩，虽然也有金碧山水、青绿山水和浅绛山水等画风，目前还流行一种泼彩画法，但是，相较于水墨的丰富表现，国画的色彩似乎依然不会既然如此那，被重视。

从色彩的表现技法来说，以油画为代表的西方绘画艺术，调色和用色的技法都相当丰富，色彩的表现能力在很大程度上决定了一幅作品的艺术高度。 在印象派产生以前，古典写实主义的色彩表现力还是缺乏的。涵盖达芬奇的《蒙娜丽莎》、《后的晚餐》和安格尔的《泉》等经典作品，写实功力和神态刻画能力都令人叹为观止，但是色调只可以用枯燥乏味来形容。基本都是赭石色调的固有色运用，更像是用色彩来表现素描关系，并没有表现出色彩本身的魅力。

在照相技术产生后，写实主义油画受到挑战，甚至渐渐被质疑油画还是否有存在的必要。这时候产生了莫奈的《日出·印象》，印象派应运而生。虽然印象派在当时依然不会为大众和主流绘画界所认可，但是，他们针对色彩的研究和表现却获取了突破性进展。从这时候启动，油画作品的颜色启动注重光的颜色，这样的色彩表现无疑更为真实而生动，这样的作品也更有感染力。随着东西方文化艺术的广泛交流，中国的不少画家启动借鉴西方绘画的表现技法，并与国画技法融合起来，产生了很多新的创作思维。这当中以林风眠和他的得意弟子吴冠中、赵无极等人表现为突出。吴冠中先生甚至尝试直接采取西方绘画的颜料来创作国画，尽管面临着很多争议，也获取了不少珍贵的经验。

不管如何，这样的尝试和创新针对中国绘画的改良还是大有裨益的。

这也只是惊龙轩一家之言，欢迎与各位考生一起交流探讨。谢谢！

你好亲，很开心回答你的问题

东西方绘画，其色彩有何差异？

个人拙见，因为东西方文化根基的不一样，造就了东西方绘画技法的不一样，创作思想的不一样

西方油画，在古典油画时期，油画中的色彩很典雅，含蓄，客观

因为西方油画的传统根基是写实，模仿，再现

针对西方传统写实油画，例如人物写实油画，其画中人物的比例，结构，肌肉，都满足人体科学严谨的结构，肌肉

其古典油画的色彩，也是客观的色彩，人物的肤色是客观的

而印象派时期，画家们启动开拓色彩的表现力。

印象派时期后面，油画风格的色彩是绚丽多彩的，非常是画家梵高，博纳尔，维亚尔，康定斯基，马蒂斯画笔下的色彩

非常是博纳尔画中的色彩，呈现光怪陆离，梦幻般斑驳的玄妙世界。

而中国画，其绘画创作思想的根基是禅宗文化，道家文化

国画提倡素雅的意境，非常是文人画家倪瓚，苏轼，王维，朱耷，石涛的山水画作品

非常是王维夯实了水墨画的发展基础，苏轼夯实了文人画的发展

水墨画是不着色彩的，文人画，更是重水墨，轻色彩，重情趣韵味，轻形象

国画，早期的色彩，金碧山水，青绿山水，浅绛山水，到王维时期，发明水墨山水

自此国画中的色彩已经消失不见

仅以水墨的五色，划分山水的层次，墨色浓淡的详细变化

假设国画，其色彩如同油画般丰富多彩，流光溢彩的斑斓，既然如此那，国画的格调，容易流于艳俗，媚俗，失去了国画素雅，淡泊，平和简淡的意境

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

东西方绘画在色彩上的主要差异，我觉得西方绘画的色彩以表现光源明暗为主，中国绘画以表现固有色为主；另一点是西方绘画颜色是油性的，而中国画的颜色是水性的。

我们从作品中可以看得出来，西方绘画在表现人物和风景时，人物和景物颜色的处理是固有色加上光源色，既然，是反映光源色，物体自然就有了明暗关系，因而对人物和景物除了形体结构的描绘，具有更多的有了立体感和空间感。

中国古代绘画更加重视对人物和景物形体结构的描绘，在色彩处理上着重表现人物和景物的固有色，色彩多采取平涂的方式，弱化明暗光影变化，因而画面的色彩更反映了景物的固有色彩，更多用平涂和线描来表现人物和景物。

现代中国绘画在技法和色彩表现形式上，吸收了西方绘画的光影、明暗、立体的色彩表现方式，使现代中国画的色彩表现更丰富，表现形式种类繁多。

配图来自互联网下载，谢谢

　　可以从这哪些方面来看，

　　1、形体：

　　西方绘画是用点，线，面等；也用形体和明暗，色彩结合的方法刻画，（例如油画） 而中国绘画的形体是讲求以线造型，（如工笔）写意画也讲求以线造型，但更强调笔墨感。

　　2、明暗：

　　西方绘画强调光影感，但中国绘画基本上不表现光，只表现物体本身的阴阳向背。

　　3、色彩：

　　西方绘画注重固有色与环境色结合的方法，（可参照水粉作品看看）．中国绘画工笔作品抛弃对光源和环境的影响，只表现对物体本身的色彩．写意作品则追求”色不盖墨，墨不盖色”的法则。

　　4、空间：

　　西方绘画对空间的刻画是用焦点透视，成角透视，空气透视等等．中国绘画则用散点构图和意象空间．散点构图是没有定点，而是可以多视点看．（如千里江山图），意象空间就是留白的方法（如齐白石的虾，就从不画水）。

　　5、材质和肌理：

　　西方绘画则用笔触来表达作品的质感和肌理效果．中国绘画则利用毛笔皴擦点染功能和生宣纸渗透性强的特点来表现。

正常12色就足够用了。但是，目前色系画的比较细。黄色都会出不少不少种黄。那种比较方便，不用去调色。条件允许，48色。我的更多颜色都可以。假设年龄比较小的小朋友，就买正常的基础二四色。差不多颜色都包含在内完全就能够了。假设你要求比非常高，可以买颜色非常多一部分的。

色调：

色调指的是一幅画中画面色彩的整体倾向是大的色彩效果。

色调是物体反射的光线中以哪种波长占优势来决定的，不一样波长出现不一样颜色的感觉，色调是颜色的重要特点，它决定了颜色实质的根本特点。

色彩：

光从物体反射到人的眼睛所导致的一种视觉心理感受。色彩按字面含义上理解可分为色和彩,这里说的色是指人对进入眼睛的光并传至大脑时所出现的感觉；彩则指多色的意思,是人对光变化的理解。

区别：

色调是对一幅绘画作品的整体颜色的概括评价是一幅作品色彩外观的基本倾向。在明度、纯度（饱和度）、色相这三个要素中，某种原因起主要作用，我们就称之为某种色调。一幅绘画作品虽然用了各种颜色，但整体有一种倾向是偏蓝或偏红是偏暖或偏冷等等。这样的颜色上的倾向就是一副绘画的色调。一般可以从色相、明度、冷暖、纯度四个方面来定义一幅作品的色调。

红绿蓝

因为在物理中有一个重要内容及核心考点说到，一个色散中基本的色系中有七个颜色，主要的三个色系是红绿蓝，在生活中，电视所播出的颜色不少样，但是，电视丽屏幕唯有三个颜色组成，那就是红绿蓝， 在画画方面来讲，红绿蓝三种颜色可以按深浅来调出不少颜色，故此，说，三大色系为红绿蓝

色调：色调指的是一幅画中画面色彩的整体倾向是大的色彩效果。色调是物体反射的光线中以哪种波长占优势来决定的，不一样波长出现不一样颜色的感觉，色调是颜色的重要特点，它决定了颜色实质的根本特点。

色彩：光从物体反射到人的眼睛所导致的一种视觉心理感受。色彩按字面含义上理解可分为色和彩,这里说的色是指人对进入眼睛的光并传至大脑时所出现的感觉；彩则指多色的意思,是人对光变化的理解

区别：色调是对一幅绘画作品的整体颜色的概括评价是一幅作品色彩外观的基本倾向。在明度、纯度（饱和度）、色相这三个要素中，某种原因起主要作用，我们就称之为某种色调。一幅绘画作品虽然用了各种颜色，但整体有一种倾向是偏蓝或偏红是偏暖或偏冷等等。这样的颜色上的倾向就是一副绘画的色调。一般可以从色相、明度、冷暖、纯度四个方面来定义一幅作品的色调

区别详细请看下方具体内容:色调不是指一种颜色的性质。而是对一副绘画作品的整体颜色的概括和评价。是一副作品色彩外观的基本倾向。色彩是由色调抽象出来的感情。或者理解为是对一副画的感觉。例如:喜庆，高贵，热烈等等。色彩类似于某种作品的情感。

色彩是指详细的颜色，色调更趋向与整体环境的风格。

想画好色彩需参考下方建议。

第一，好的色彩是对比出来的例如冷暖，反差，同一类型色对比等。还有像明暗的对比，色彩纯度灰度对比，通过这些对比进行合理的根据目前实际情况安排才会有好的色彩画。

其次，就是要把控掌握好自己的色彩感觉，每个人有自己喜欢的色彩倾向，结合专业知识把自己色彩感觉发挥出来。还有就是多看一部分好的作品，未必是色彩画，涵盖其他服装，建筑，等等，找感觉找规律。

总得来说，好的色彩是通过对比反映，好的色彩氛围是通过感觉反映。像我有色弱的倾向，但我会把我的色彩感觉发挥出来。一样是很好的。

画时布和背景么，第一要灰一点，其作用是为了衬托主体物（罐子水果等等），然后是为了使整个画面具有空间感。

既然如此那，就要注意布的前面略微纯一点，冷一点，亮一点，慢慢往后过度是暖灰暗一部分。要把布画的丰富就注意补自己的亮暗面，自始至终是亮冷暗暖（室内是冷光源），其次是物体的投影，前实后续，钱暖后冷+物体颜色（反光）。然后可以选择在衬布上随便小小的笔触扫一点主体物存在的颜色完全就能够了。

背景实际上很简单，不要做太多的东西，会抢，故此，你就用调色板上画主体物多下来的颜色全混一起加白和你画面的色调混一起加水湿一点薄一点上去就行了，多注意下光源的方向稍微冷一点，亮一点，但是，还是灰的。

实际上整个画面的丰富并非全靠衬布和背景的。主要还是罐子，水果等等的主体物。

这些东西画时，你认为没有东西可以画时就启动排查：

1、亮冷暗暖是不是分清。2、体积感是不是强烈（明暗）3反光。4环境色。5物体边缘的那个面是不是向后转（可以适度的在边缘的地方加点冷颜色，亮暗都可以）6、高光（+一点点的冷光源 或者 主色调 的颜色）

假设不是很了解，你可以拿一本范本，对着上面来找我上面说的五点。大多数情况下有了这些就够丰富的了

还有一点一定要注意的是，不要光顾着画面的丰富而忘记色调。色彩重要，要优先集中精力的是色调，没有这个一起都是白搭！

民间美术在色彩处理上别具一格。其基本色以红色为主、黄色为辅，绿紫次之，画面色彩热烈激昂；在民间手绘年画里，多以蓝色做底色，从视觉上让人眼前一亮。

绘画主要以矿物质颜料调色，如用红花来配制红色，大红、深绿、深蓝等浓烈的颜料称为“硬色”，加粉促使其柔和称为“软色”。色调上有冷色、暖色之分。在这些颜料中加些配料，如蛋清，这些颜料上色非常鲜艳；再加胶，颜色经久不变。