为什么说编曲比作曲重要``，吉他和钢琴哪个声音更好听一点-华宇考试网

为什么说编曲比作曲重要``？

作曲和编曲都同等重要。

作曲讲究原创性，从无到有，讲究起承转合。好的作曲经得起某音的考验。作曲不好，循环来循环去唯有高潮部分可以听，其他部分别扭到不行，催生了不少拼凑型歌手，改编一段副歌其它全靠捏。

编曲可以赋予原曲更多的新的生命，就像王菲版本的我和我的祖国，不可以再是之前引吭高歌的情感表达，而是心里和脸上都洋溢着辛福的欢歌。这也是近不少音乐节目标精髓所在，通过不一样歌手和不一样编曲，给予歌曲和歌手新的生命。

不赞成编曲比作曲更加重要此看法，因为二者都是同等重要的。举个例子，歌曲旋律就像是一个人的脸，编曲就像是衣服，这里说的人是衣服马是鞍，一看长相二看穿。音乐也是如此，因为这个原因二者不可以说谁更加重要，争论谁更加重要也没有意义

作曲与编曲谁更加重要，这是典型的中国音乐界的伪问题。编曲一直被中国音乐界非常推崇，如能写配器，地位远高于能写旋律的人。这样的结果致使一部分鼎鼎大名的作曲家，一辈子仅仅会改编他人的曲子，没有自己拿的出手的原创好作品。

理解这个问题，说一个典型例子。世界名曲《图画展览会》是俄罗斯作曲家穆索尔斯基的作品。但原曲只是钢琴组曲，后来很多音乐人改编为管弦乐版本，即重新编曲，这当中以拉威尔和斯托科夫斯基二位的编曲为著名。我们今天听到交响乐团演奏《画展》，多是拉威尔编曲，但很少看到他的署名；大多数情况下只署名作曲穆索尔斯基。

建国70年交响乐创作，王西麟作品是具天才性的。不管作曲写旋律，还是写配器编曲，他都是信手拈来。真正音乐家是像王西麟这样的人，怎么会被写旋律还是配器疑惑？应帖大多认可的是编曲比作曲更加重要…由此不难发现一个现实问题，中国原创音乐水平和能力为什么总是提不高。因为我们把音乐理解为一种技艺。

编曲跟作曲，两者是相铺相成，没有轻重之分，作曲是源，编曲是修饰是完善。在音乐的构思和形成的途中，作曲起主要作用，编曲是对曲的进一步完善。好的编曲能使歌曲更动听更美妙，假设编曲不好了，好听的歌感觉没有了灵魂，不吸引人。一首歌曲伴奏好听，能增多这首歌曲的传唱度，编曲是对歌曲的一个美化和修饰。

作曲是让一首歌词有了旋律，旋律是一首歌的框架，而编曲则是在旋律上再创作，让旋律变得丰满起来，变得有血有肉，变得有灵性。编曲可以提高旋律对歌词的感悟，可以把编曲者对歌词对旋律的理解注入音乐。一个优秀的有素养的编曲者，可以让手中的音乐作品升华到更高的档次。要做到这些，也需平日间要多学习，多努力，多提升音乐素养，这样才可以做一个好的编曲者，为手中的旋律插上飞翔的翅膀。

编曲跟作曲，两者是相铺相成，没有轻重之分，作曲是源，编曲是修饰是完善。在音乐的构思和形成的途中，作曲起主要作用，编曲是对曲的进一步完善。

假设一首歌曲唯有进行编辑才可以称其为一首完整的歌曲。作曲是一个从头启动的创作过程，例如从0到1的过渡。作曲唯有歌曲的主题，但不涵盖伴奏，还不够完整。一首歌可以成为经典，这当然与他的创作主题密切有关，但好的伴奏可以起到锦上添花的作用，然后美丽的花朵需绿叶的陪衬，故此，经典的好歌一般有一个很好的伴奏。这些东西后期伴奏与原曲融合的过程就是编曲。编曲相对来说很难，要将各种乐器，如钢琴，吉他，鼓，贝司等，与原曲完美融合，一首好歌需很好的伴奏才可以完美。

故此，说编曲跟作曲同样重要，一首歌有好的主题，但缺乏整体上的风格与灵魂，就是失败品。但没有好的主题编曲再厉害也拯救不了整个曲风效果。两者相辅相成都至关重要。

编曲和作曲是相关联性和差异性的，编曲会从听觉直观上来将作品呈现，编曲的过程也属于作品创作，而作曲不基本上相当于编曲，不少会写歌的创作者或者学院派的作曲者，也未必可以很好的将创作出的作品自己独立一人很好的故将他编曲制作为成品音乐作品，或者很成熟的音乐作品。编曲包含作者对各自不同的乐器，音色，节拍，和声类型的掌握并熟悉，还有对音乐的感情，思维，都在里边。故此，不少编曲好听的歌曲，就算光听伴奏也会认为很优秀

只想问那些觉得编曲比作曲重要的人，假设没有曲作者的创作，编曲的重要如何反映？

编曲的作用是不是不一定程度上的被过分夸大了？

根据公众普遍接受的概念，作曲指的是音乐旋律的“创作”，塑造的形象是音乐的灵魂！

而这里说的的“编曲”，也叫“配器”是建立在作曲创作的旋律基础之上的一种后期“制作”！

属于锦上添花的方面。

其前提第一是一定要有“锦”（作曲创作的旋律），然后才谈得到“添花”（编曲）的问题！

假设本来就没有“锦”，试问这“花”又往什么地方添呢？

这与旋律的“创作”根本就不在同一方面上！

大多数情况下来说，能创作出旋律的曲作者，有可能不会编曲。

但更多的情况下，会编曲的肯定创作不出旋律！

针对一首曲调优美的歌曲来说，不需要通过编曲，其旋律就足够优美动听了！

至于说谁更加重要，不是一目了然了吗？

觉得编曲比作曲重要的人，明显是只看到了编曲的“流”，而根本无视了作曲这一“源头”的存在！

是一种本末倒置的行为。

作曲只是一条旋律，而编曲确实血肉加灵魂，曲子的风格，水准，音乐素养等都反映在编曲里。会编曲的人肯定会作曲，但会作曲的人不见得会编曲。

编曲包含作者对各自不同的乐器，音色，节拍，和声类型的掌握并熟悉，还有对音乐的感情，思维，都在里边。故此，不少编曲好听的歌曲，就算光听伴奏也会认为很优秀

作曲是指在一定理论基础上写成的乐谱，一般指交响乐等。然而还不知道一首歌的后签名是歌词还是作文，这表达作文涵盖了主题的写作。据估计，有广义和狭义之分。

编排音乐指的是单一旋律的伴奏。有部分理论在作曲时多多少少一定要被理解。会作曲的人可能不会作曲，但会作曲的人一定要作曲。至于谁写得好，这是另一回事。这可能就是为什么那些会作曲的人常常瞧不起那些仅仅会作曲的人。我之前试过这个。在审核查验这个时间段...

音乐创作是指为歌词创作旋律的过程，那就是这里说的的音乐创作。

1.写歌词和作曲。大多数情况下来说，先写单词，然后写音乐。也有先写后写的情况。前者数量更多。歌词和歌曲成功后，歌曲作者一般会制作一个演示并自己录制。大多数情况下来说，演示中的演唱可以用假声轻松完成。留着，以后用。

2.在歌手听到演示并决定唱这首歌后，歌曲作者将乐谱和演示交给了歌手和制作人。找寻排列音乐。

3.取得乐谱和小样本(有的时候，不用小样本)后，启动音乐编辑。

请注意，真正乐器的声音需被录制，这一般是由MIDI第一完成的。(稍后录制时删除)字符串要求编曲者进行评分。节奏吉他一般只和弦。蔡华有的时候，需输入乐谱，有的时候，不用，唯有和弦和风格的音符被标记，吉他手即兴创作。

4、排列成功后，乐器的每个部分都将被导出到分离轨道音频，涵盖打击乐器，每个发声器将独立于一个轨道。请注意，理论上，这些音轨不允许添加任何音频效应器，全部这些效应器都是干音。然而一部分合成音色有自己的效果，这是另一回事。

大多数情况下来说，音轨划分的格式应与录音工程师和混音器协商。为了交换文件。一般导出为适用于原型的音频格式。

大多数情况下来说，音轨划分有两种形式，一种是对的，另一种是错的，即全部的音频文件都可以从音乐启动就对齐。

另一个是头和尾是对的。其实就是常说的说，假设这段音乐需3分钟，既然如此那，全部的曲目都需3分钟。就算某些轨道仅持续几秒钟，其余轨道仍为空白，一定要导出。

在导出分离轨道后，整体布局还可以粗略地混合一个小样本，精选整理提供混音器参考。你也不可以混。

5.将分离的曲目传送到录音棚。进口麦金塔。同时联系吉他手、乐队指挥和其他真正的乐器演员。

6.录制真正的乐器。大多数情况下来说，作曲家自己或作曲家可在棚内具体安排音乐来管理棚。与吉他手和乐队指挥交流还有掌握并熟悉演奏风格是很方便的。

7.录制歌手的声音。它可以被录制在监控小型公司中，还一般不用监控小型公司(避免影响歌手的状态)。唯有录音工程师和歌手才可以完成录音。

8.歌手自己、作曲家、编曲人和制作人对录音结果满意后，他们将交付全部曲目(涵盖伴奏曲目、声音、乐器等)。)到混音器。那些要求非常高的人一般在找寻外国混音器。

9.混音器得到分离轨道后，他使用数字或纯模拟(由制作人指定)方式在专业混音环境和远、中、近、各自不同的参考盒等专业条件下进行混音。应用压缩、均衡、激励、失真、混响等效果。以完成混合。

一般，混合工作不允许将效应器添加到总输出中，也不允许整体淡入淡出(如有必要，一定要标记母版)。

混音器完成工作并满意后，他把它交给制作人审批。

10.制作者将在混合后将音频文件传送到主磁带处理器(针对那些要求非常高的，一般可以找到国外的主磁带处理器)，并执行数字或纯模拟主磁带

吉他和钢琴哪个声音更好听？

女生就比较喜欢钢琴，因为比较舒缓，男生喜欢吉他的多，因为不少剧中都是男生吉他弹的浪漫，

作为女生，较喜欢钢琴，如，心跳扑通钢琴版，酷狗就有，实际上原本的歌也很好听

司空见惯的是舞台上一大批乐器为钢琴做伴奏，吉他总不可能有这样的待遇，故此，两个乐器的用途和声音要按照乐曲类型来认为，不可以既然如此那，漫无目的的下判断。

钢琴的音域广，但是，吉他表现力要比钢琴丰富因为钢琴上的音每个音高是唯一的，而吉他上同样音高的位置有多个音色不一样简来说之就是，学习乐理用钢琴比较科学（跟五线谱比较配套，用吉他看五线谱的人水平就比非常高了不合适初学），演奏来说吉他比较丰富

我来说说钢琴的音色。整体上来说，好的钢琴音色，在低音部分有很好的下潜感，中音饱满，高音清澈而且，通透。而且，整体音色的清晰度也要好，例如低音不可以混成一片。除了这些基本特点，钢琴音色还应该有一种“木头味”（和音色显“塑料”相对）。这真的不是玄学。不过也不是说”塑料“做的琴就有塑料味，之前的电声键盘乐器采样依然不会出色，采样精度不够，大小也不够，因为这个原因就可以有”塑料味“。举个例子。

Kraft Music - Korg RK100S Keytar NAMM 2023

虽然是近出的琴，因为采样内存大小和音色重点不在于原声乐器的关系，这款KEYTAR的钢琴音色可谓”塑料“的教科书。不过话说回来，K家的琴钢琴有塑料味也不是一两年了（笑）。40秒处，钢琴音色。此外钢琴因为其独特的物理发声方法，有种各自不同的各样的细节。这些细节也是钢琴音色重要的一些。因为这个原因电钢琴为了模仿的更像钢琴也多很多的注重这些细节，比如：

琴弦共振：了踩下延音踏板时全部音锤离开琴弦时所出现的共鸣，创造出一个很典型的混响。

音板共振：就算在没有激活延音踏板的情况下，弹奏的音符（还有与外部声源）也会出现共鸣。

Sympathetic：在声学钢琴里面，任意已弹奏的琴键将抬起有关的琴弦，它会与后面弹奏的其他音符对应的谐波出现共鸣。

Numa Concert琴弦共振

Numa Concert钢琴音色

有关音色的方面，键盘中国版主季风有一段话说的很好，在这里引用一下：

相当大一部分人都会同意，音色是纯主观的东西，萝卜白菜各带来一定爱。针对音色自己，你没办法用客观的标准去衡量。然而，有一种感觉是真真切切存在，且可以用客观标准来评价的。接触过音乐会三角钢琴的朋友一定会有这样的感觉：

钢琴会对你的触键力度做出很微妙且细腻的响应，通俗的说就是你使什么样的力，钢琴就可以给你什么样的音，钢琴给你的声音基本上是无限的。

这样的无限并非非常简单音量上的变化，质感、明亮度等等都会按照你的力度与速度做出回馈。

这样的回馈与响应，就是钢琴的灵魂

，也是斯坦威不一样于贝森朵夫，雅马哈不一样于卡哇伊的根本因素。之前坊间有一个说法（真伪无从考证），Y家为了研究S家音乐会三角钢琴的秘密，精确测量、原样仿制了S三角的全部部件，组装起来后，却发现，声音仍然是Y家钢琴的声音。

钢琴音色重要，要优先集中精力的一点，就是是不是可以给你完美的回馈。即你心里想的，手里弹的是什么，钢琴就可以够回馈给你什么音色。这个问题就像给你一张纸，一支笔，你想画出什么东西，纸上就可以完美的展现出你要画的东西，不会缺乏，也不会美化，有的只是还原。品质出彩的原声音色加上足够高的音色响应度就构成了好的钢琴音色的一切。