对于画画的初学者一般要临摹多长时间才能进，怎样才能提高舞蹈的灵活表现与

针对书画爱好者来说，重要是看自己的绘画基础，多临摹，多写生是从事书画创作的重点，不可以以时间来定论。

针对名家老师的作品要多看，吸取经验，来提升自己的绘画水平，针对书画学习，不要贪的过多，第一你得选择一种绘画题材，慢慢累积经验，这样就时间短，见效快。

个人认为不可以通过临摹作品时间去衡量

第一，要按照自己的爱好程度，功底如何，自己偏爱哪一个方面；

第二，画画要靠悟性，有的人悟性高，这个待慢慢去发掘；

第三，不可以以为的追求数量，临摹的过程就是学习的过程，学习别人的创作技巧，以此得到自己的创作灵感。艺术来源自于生活，还需要有一颗擅长于观察的心。

下面这些内容就是我自己的作品，谢谢观赏！

针对初学画画者要临摹多长时间才可以进行初次绘画原创，我相信不少画画者都超级难做出定论。第一是因人而异，各不一样，聪明的人，加上有绘画天赋，有兴趣，另外，勤奋好学者，少走弯路，到达目标时间上会很快。以我的经验总结推荐简单的绘画方式，以工笔国画作为例子:

1.临摹，2.写生，3.创作(其实就是常说的初次绘画原创)的学习过程提供很快速的方式。就是简单化再以小画面小画幅，从简到繁入手，选择名画家之一名作简单明了的画面“一枝花“图作为练习对象，临摹时先研究画家的用笔，用墨。线条勾画上下功夫，加上擅长于思考，不急于求成，要脚胆实地，一步一个脚印，学透练好画家笔法功底，摸透画家用意，灵性，明确画家用笔，用墨，粗细，干湿目标与作用。临摹好后再进行实物写生，让自己了解植物的特点特性与真实性，从写生中找出灵感，也从中感悟到自己想要画的画面，一开头先根据临摹画面的构图形象从写生中找到相似的对象，从整体布局没计整幅画面，作为首次原创启动构图创作。我相信从初学画画到首次原创应该只有多几天时间就可以达到…

你好亲，很开心回答你的问题

针对绘画初学者，临摹多长时间，才可以进行原创

个人拙见，这个没有固定答案

不清楚亲想达到原创的哪种程度

例如亲想通过自己的绘画基本功，原创一幅漫画人物？

还是想通过自己的绘画基本功，原创一幅静物素描，还是水粉静物？

还是想通过自己的绘画基本功，原创一幅油画创作？例如原创一幅风景油画，人物油画，静物油画？

针对绘画基本功的练习，应该写生和临摹结合着练习

针对绘画，个人拙见，分为临摹，写生，原创创作

学习绘画的生涯，应该先打基础，然后再创作

训练绘画基础，应该写生和临摹一起进行

创作，需原创性，个人特色

但是写生不算是创作，因为写生一组静物，也许老师事先就给你摆好了构图，你根据摆好的构图画下来，稍加改动，故此，算不上是创作

假设亲想创作一幅静物素描，前提是你面前有一大堆杂乱摆放，静物的构图需你自己组织，这才能够算创作

假设你想创作一幅静物素描，第一应该熟悉几何体素描，然后再临摹写生一定时间静物素描，熟悉构图组织规律和框架后面，你再创作一幅静物素描，自己组织构图

故此假设你天天练习的画，要不了大半年，你完全就能够创作一幅素描静物

假设你一周练习一次，两次，既然如此那，需更长时间

创作一幅油画人物，打基本功时间更长

人物题材难于静物题材

创作一幅油画人物，需熟练素描人体，着衣素描人物，油画人物写生

只是练熟素描人体，需一两年时间吧，故此，达到创作油画人物的阶段，需两三年的基本功

假设你一周只练习一次画画，既然如此那，你超级难画好难度很大的素描人物

针对亲想原创一幅漫画人物，需熟练人体结构的变动，比例，结构转折，肌肉，需亲练习好速写人物

速写人物画熟练了，你的漫画人物也不成问题，非常是速写人物中的生动灵活的线条，有助于你画漫画时画好生动的线条

故此临摹多长时间，可以初次原创，没有固定答案，重要看你的勤奋程度，你的天赋，悟性

假设亲天天练习画画，相信会离原创的目标越来越近

但是，针对国画，就另当别论的，画国画是前三十年临摹，后三十年创作的经过画国画，依然不会单单是熟悉国画技法，还需要上知天文，下知地理，具备中国传统文化深厚的知识底蕴

画国画，临摹是必经的阶段，从芥子园画谱，然后临摹中国美术史上很多名家的经典国画作品是一个漫长的阶段

假设一开头学国画就创作，你可以创作，但是，画中的境界，精神却没办法保证。

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

粉丝们，条友们，你们有哪些高见吗？

临摹就是学习别人的技巧，要一直学习才可以。每个人学习进度明显不同，一开头就要多临摹，当你临摹了后面，自己再写生不短的一个时期，再和别人的对比一下，要循序渐进的来，不可以着急。前期就临摹和写生持续性转换，后面自己熟练后面，学会自己塑造，并且要有自己的绘画风格。

不了解说的是什么画，不过不管什么画，原创都要有一个漫长的准备时间。

看这问题经过鉴定，的确是画画的初学者，才会问的问题，实际上这很正常，每个人启动学习画画时，都拥有这样的心情，具体是什么时候可以想画什么就画什么？具体是什么时候可以看到自己创作的作品?这样的想法不只是绘画才有的，不少事情都拥有类似的情况，例如当启动学驾照时，可能想着如何在高速上飞奔，如何越过高山越过河流，如何在人海茫茫车水马龙间穿梭超越，但当你真正启动学了，学完了时，保证你不会这么想了，后也别这么做了。

任何事都拥有例外，也有高手，艺术上叫天赋，实话实说，临摹多长时间可以进行原创，因艺术形式种类不一样，也真的因人而异，不可能都拥有一定的标准，请分享自己的一部分亲身经历，算作一种参考吧。

先说基本的素描，自己的孩子学了美术专业，长期以来都是在学素描，一直练不停的练，对着书练对确实物练，不算之前零星的学习，就这样的日子整整一年了，前一阵恰巧问过，你是不是可以自己创作了，可以画出自己想象的任何东西了，孩子很鄙视的眼神望着我，既让我了解了答案，也让我认为自己好外行，下面放一张近孩子的素描作品，可以作为参考。有一点也说一下，在孩子专业学习以前，可是想到什么就画什么的。

我是画国画的，画工笔居多，也算学了至少十几年了，目前有这个时间，仍旧主要是尽量多的临摹，本身国画也是主张师法古人名画，从中体会国画的笔墨气韵，当想要创作时，还是要做不少准备，毕竟工笔还是要写实些，就如油画要打稿找模特等等，也许是自己愚钝，也许是更多的敬畏，反正是学画不容易原创需谨严。

这个问题没时间限制，假设条件许可，在有专业老师指点的情况下，不临摹，直接写生更好。

因为，临摹的目标是学习别人的绘画方式，虽然也是一种学习方式，但是假设长时间临摹，会出现依赖性，个人独特的灵性也会渐渐地失去。

看清临摹的本质了，就比较容易处理这个问题了。

学习国画的步骤:1、临摹 2、写生 3、创作，这三个步骤，在学习途中要持续性的转换应用。

＊临摹:学习古人用笔用墨技法上的知识，了解古人对景物表现的符号。

＊写生:借鉴古人技法对大自然真实的碰撞，感受自然，认识自然，师法自然。

＊创作:应用临摹、写生持续性的转换过程，发挥自我胸中丘壑，大胆尝试。

勤奋的努力加上擅长于思考，三到五年就可有原创诞生。要注意！国画重视写意性，不重形体重神似，讲究用笔用墨的趣味性。

这个要看个人。有悟性有天赋的人会进步很快，临摹到相对的程度后可以进行一定程度上的创作，有的人进步会慢一部分。不过初学者以临摹为主，不用太紧张于求成，平日间可以画一部分简单的小画作为娱乐，真要创作完整的大画作还是要一定功夫的。

之前我非常重视临摹大师的作品，目前我觉得不要临摹，仔细的去看去研究一下大师的人生经历，历史背景，感受大师创作此作品的激情，这样才可以体会这幅作品的真实，才可以提升自己的绘画水平！

老话说，眼睛是心灵的窗户是大家传达情感的重要媒介。在舞蹈表演中，眼神地运用是至关重要的一些。准确的眼神配合丰富的表情，就可以使舞蹈具有更多的表现力。在舞蹈表演中，不一样的主题运用不一样的眼神，不一样的舞姿也有不一样的眼神，例如表现两个人的爱情，就有含情脉脉和眉目传情；表现背叛，就是愤怒、哀怨的眼神；表现与敌人抗争，就是坚毅勇敢的眼神；表现小女孩的无忧无虑，就是纯净自由的眼神；表现等着，就是惆怅急切的眼神；表现期望，就是憧憬的眼神。舞蹈演员在台上表演，肢体表现固然重要，但是，眼神是不是运用到位，观众是可以准确捕捉到的，因为这个原因，每一个表演者在台上都应该全身心地投入，用心去诠释每一个角色，做到形神兼备，面面俱到。

舞蹈的基本功就像一座建筑的根基一样是打基础的部分。舞蹈是一种肢体语言，肢体表现是主要的，舞蹈表现力也主要从肢体语言中取得。每个舞蹈演员在专业学习中都会苦练基本功，例如压腿、压肩、下腰、劈叉跳等，大多数情况下舞蹈演员都可以做到。但是，何不同的人舞蹈表现力不一样呢?同样一部作品，不一样的人演绎出来效果就有差别，这个问题就涉及到影响舞蹈表现力的几点原因：

全身各部位动作的高度敏感力和协调性，其实就是常说的敏感，还有细节是不是做到位。舞蹈基本功一个方面是对技能的训练，一个方面是对身体动感准确性的培养，涵盖韵律感、节奏感、协调性、平衡性等。在舞蹈表演中，对细节的把控掌握决定着整场演出的水准，例如手指弯曲的弧度、脚趾尖延伸的高度、肢体转动时屈身的程度等，这些既以演员的基本功为基础，又是在对基本功进行拔高。把控掌握好每一个细节，舞蹈的视觉效果才会更好，才会给观众以美的享受。

神韵针对舞蹈来说，就如建筑的风格大多数情况下，没有了风格，建筑就是砖瓦的简单堆砌，没有了神韵，舞蹈就成为了简单的肢体运动，缺乏了内在韵味，整个舞蹈过程就显得生硬，缺乏生命力。不少艺术形式都讲究神韵的传达，例如书法、国画，舞蹈也一样。

以民族舞作为例子，蒙古舞的抖肩、扭腰、旋转、跳跃、挥鞭一气呵成，在刚柔相济间尽显蒙古族人民热情豪迈的气质；傣族舞起伏而富有曲线的舞姿，表现了傣族人温柔似水、柔中带刚的气韵。还有古典舞，那轻盈曼妙的形态、画圆回旋的变动还有迂回婉转的状态，都反映了古典舞典雅、柔美、流畅、婉转的神韵。每一种舞蹈都拥有其特有的神韵表达，如何更好地表达出舞蹈的神韵美，让观者既能感受到舞蹈本身的美，又能区分出不一样舞蹈的风格差别，那还要舞蹈演员提高自己的艺术表现力，将舞蹈的特有韵味淋漓尽致地表现出来。

艺术的本身是相通的，任何舞蹈的表现都拥有音乐的支撑，即便没有详细的伴乐，也会有节奏节拍的配合。基本上，音乐在舞蹈表现力方面发挥着无可替代的作用。节奏鲜明的音乐，能使舞蹈表演起到只需要花一半的时间就能够完成一倍的效果的效果，使舞蹈具有更多的表现力。如壮族舞蹈《踩瓦泥》的舞蹈音乐的节奏涵盖动作感觉上的快慢和强弱。演员通过体验这当中的旋律、节奏，想象应出现的表情，例如表现壮娃“抢泥”时，唯有简单的打击节奏声，既然如此那，演员完全就能够随着音乐的节奏“吆喝、吆喝”，随着呐喊声节奏的变化，更好地理解和准确把控掌握舞蹈动作，把“抢泥”时的争、闹、笑生动地表现出来，让舞蹈的表现效果达到好。《踩瓦泥》按照音乐的“踩”的旋律创造出“舞蹈的旋律”

随着音乐的色彩变化而进行舞蹈多样化的启发，在优美的旋律中，一个活泼可爱的壮家小女孩站在大山深处的泥堆上招手邀约考生学员来“踩瓦泥”，舞蹈从壮家小姑娘仔细学踩瓦泥到制作途中的玩闹，后制作出具有壮家独特技艺和图腾的瓦片，伴随音乐的对比、展开而使舞蹈达到了层次丰富、跌宕起伏的效果。

舞蹈是以人体为表演中介的变动艺术，离开舞者的变动形象也就看不到任何文化信息，而不少舞蹈所表现的文化特点是可以借助道具这一重要媒介来形成和展现的。譬如民间广泛流传的狮子舞，就是利用道具进行舞蹈表现的好例证。舞狮人手举狮头或是从高处一跃而下，或是静卧一处左右张望，尽显生龙活虎的逼真之态。

再如，流传于我们国内广东梅州一带的“席狮”舞蹈，更反映出道具表现力中的“可塑性”和“象征性”。席狮的突出特色是以一张席子扮狮，在似狮非狮中求其神似。舞蹈利用一张草席，巧妙地折叠成狮头模样，活灵活现的舞弄。时而将草席卷成长筒状，双手握住敏捷窜跳；时而将席子披在身上，双手将草席抓成狮头形状起舞；时而又丁字步全蹲，上身前俯，模拟狮子吞食或饮水让一张席子变化无穷。由此可见，巧妙地使用道具，可以大大提高舞蹈的艺术表现力，拓展舞蹈动作之外的表现内容。

一台好的舞蹈还有其不可缺乏的客观环境成分。这里说的的客观环境涵盖舞台背景、灯光等的设计，背景音乐的选择，舞者的服装设计等等。如《火舞》是世界著名编导大师穆斯塔法的作品，这是一部从视觉元素到听觉元素均让人耳目一新的力作，通过整合土耳其民族歌舞剧传统并打碎杂糅成一台充满当代传奇性质的舞台剧。不管是仪式感强烈的踢踏，还是妩媚妖艳的肚皮舞，总而言之，演员律动的脚步和扭动的腰肢编织成火与舞的缠绵，让舞蹈效果很好看、好听。在灯光的映衬下，舞台呈现出红、蓝、紫等极易让人出现丰富联想的色调，加上舞者叙述性很强的肢体语汇，就算没有说明书，观众也可感受到它想传达的意蕴与文化内涵。

1、眼神。老话说，眼睛是心灵的窗户是大家传达情感的重要媒介。在舞蹈表演中，眼神地运用是至关重要的一些。准确的眼神配合丰富的表情，就可以使舞蹈具有更多的表现力。舞蹈演员在台上表演，肢体表现固然重要，但是，眼神是不是运用到位，观众是可以准确捕捉到的，因为这个原因，每一个表演者在台上都应该全身心地投入，用心去诠释每一个角色，做到形神兼备，面面俱到。

2、肢体细节。全身各部位动作的高度敏感力和协调性，其实就是常说的敏感，还有细节是不是做到位。舞蹈基本功一个方面是对技能的训练，一个方面是对身体动感准确性的培养，涵盖韵律感、节奏感、协调性、平衡性等。在舞蹈表演中，对细节的把控掌握决定着整场演出的水准，例如手指弯曲的弧度、脚趾尖延伸的高度、肢体转动时屈身的程度等，这些既以演员的基本功为基础，又是在对基本功进行拔高。把控掌握好每一个细节，舞蹈的视觉效果才会更好，才会给观众以美的享受。

3、音乐。艺术的本身是相通的，任何舞蹈的表现都拥有音乐的支撑，即便没有详细的伴乐，也会有节奏节拍的配合。基本上，音乐在舞蹈表现力方面发挥着无可替代的作用。节奏鲜明的音乐，能使舞蹈表演起到只需要花一半的时间就能够完成一倍的效果的效果，使舞蹈具有更多的表现力。

4、道具。一台好的舞蹈还有其不可缺乏的客观环境成分。这里说的的客观环境涵盖舞台背景、灯光等的设计。巧妙地使用道具，可以大大提高舞蹈的艺术表现力，拓展舞蹈动作之外的表现内容。

第一要选好舞伴，要多配合练习，熟悉每首歌的节拍，跳舞时要准确踩在节点上，每个动作要轻松愉快，精准把控掌握，相互要协调，身体手脚眼神步调要完全一样。同时节凑感要强，踩点要准，与旋律节凑螎为一体。

　　一是要了解舞蹈的特点。舞蹈节奏就是舞蹈动作在力度的强弱、速度的快慢、能量的增减，还有幅度的大小、浮沉等方面的对比和变化。舞蹈中的节奏,是指舞蹈动作进行时所占时间，动作的长短、强弱、快慢、及相互间的关系。唯有对舞蹈动作有了详细入微了解和掌握并熟悉，节奏也出来了。

　　二是要对舞蹈音乐节拍的掌握并熟悉。节奏，在音乐理论中被称为旋律的骨架是节拍的强弱或长短交叉替换产生而形成一定规律时间值。音乐的节奏是听觉节奏。因为音乐进入舞蹈本体是以节拍为主要标志，连同旋律、和声、复调等一起参加到舞蹈中来。音乐的节奏也有表情原因，譬如强弱、轻重等。音乐节奏的变化，时常决定舞蹈节奏的变化。不一样的音乐节奏反映出不一样的情绪和风格，这在不一样形态的舞蹈中，表现得特别鲜明。大家常说，有哪些样的音乐，就有哪些样的舞蹈。我们在编排、表演或学习某个舞蹈时，时常都是先从了解音乐，体会音乐启动，然后，才一步一步掌握并熟悉舞蹈的节奏感，把控掌握动作的韵律和韵味。

　　有人曾经提出过“看音乐，听舞蹈”的观点，音乐是用耳朵去听的是听觉的艺术，舞蹈是用眼睛看的是视觉的艺术。这里说的的看音乐，并非用眼睛去看，而是通过听觉神经接受音乐的节拍、节奏旋律去刺激大脑，从大脑出现联想后，产生了一种看得见的形象。大家可以按照音乐的不一样节奏、旋律：时而高亢、时而低吟、时而缓慢、时而急促，随之浮沉于脑海中的各自不同的实实在在的形象，如高山流水，奔腾的骏马，林中的小动物等等。而听舞蹈则是大家在通过对视觉接受舞蹈身体动作构图的同时，听觉方面也同时可以感觉到构图在有节奏地进行变化。藏族的踢踏舞都是可以用听觉去欣赏的，我们的舞蹈动作与舞蹈音乐相融合时是通过音乐的节拍节奏使我们用耳朵去感受舞蹈的节奏，随之展现舞蹈动作，故此，说，节奏是可以用眼睛可以看到的。不过不是直接去看，而是通过舞蹈着的肢体去看。这一点也是舞者所追求的一种高层次的境界。其实就是常说的身体与节奏、音乐融为一体，